书名：
如何聊电影
ISBN：
9787559626295
作者：
霍纳迪 陈功
出版社：
北京联合出版公司
出版时间：
2018-01-01
图书分类：
艺术
语言：
chi
开本：
32开-轻型纸
版次：
1
装帧：
其他
页数：
357页
字数：
99999千字
《如何聊电影》是一本通俗易懂、实用性极强的电影鉴赏与观影表达入门读物，跳出晦涩的专业理论，用直白的语言拆解普通人也能听懂、会运用的观影逻辑。书中从剧情、人物、镜头、配乐、叙事节奏、细节伏笔等基础维度，手把手教读者读懂电影背后的创作巧思，摆脱 “看完只会说好看” 的观影困境。本书不仅传授专业的观影方法，更教会读者搭建完整的电影表达体系，轻松拆解影片内核、解读主题立意、品评镜头语言，既能看懂电影的表层故事，也能读懂深层的情感与思想。适合普通影迷、观影爱好者及想要提升审美与表达能力的读者，帮助大家轻松聊透一部电影，让观影更有质感，交流更有深度。
安・霍纳迪（Ann Hornaday），《华盛顿邮报》首席电影评人。
阅读体验轻松愉快并能长知识的书。适合我们每个人的电影入门书。
剧本把主角从A点带到B点，而一个好的故事是让主角经历一段旅程，而且这段旅程既私人化，又具有普适性;既自发，又自然。剧情只是说事，故事是在讲意。剧情是机械复述，故事是表达感情。编剧兼导演肯尼思・洛纳根( Kenneth Lonergan)曾说过:“大部分爱情片里，男女主角第一次见面，一定是各种看不顺眼，互相斗气，互相死磕，然后十分钟后，他们就好上了。但是现实里我谈过的女朋友，都是从一开始就和我相处融洽。尽管在其他方面，我们会出现矛盾。而只要你细心，这些矛盾就摆在那里，等着你去挖掘。”
目观众上钩了，那么在接下来的十到二十分钟时间内，整个故事的背景和整体情绪就应该铺垫好，主角要逐一介绍完毕，角色之间的关系也应该清晰建立起来。从这里开始，一切都应该顺理成章，在观众有机会重新回看前半部分时，会意识到哪怕影片结局再扯淡，都完全符合影片的前期设定，甚至根本就是一早注定的。
套用著名编剧、导演比利・怀尔德( Billy Wilder)的话:一个出类拔萃的剧本，应该要能掐住观众的咽喉，一刻都不松手。就这样掐着观众的脖子一直走，让他们别无选择，只有乖乖跟着。而每隔一段时间，这个剧本就应该释放足够的信息，让观众对接下来的故事发展保持好奇，永远不觉得出戏、无聊或者毫无头绪。
剧本把主角从A点带到B点，而一个好的故事是让主角经历一段旅程，而且这段旅程既私人化，又具有普适性;既自发，又自然。剧情只是说事，故事是在讲意。剧情是机械复述，故事是表达感情。编剧兼导演肯尼思・洛纳根( Kenneth Lonergan)曾说过:“大部分爱情片里，男女主角第一次见面，一定是各种看不顺眼，互相斗气，互相死磕，然后十分钟后，他们就好上了。但是现实里我谈过的女朋友，都是从一开始就和我相处融洽。尽管在其他方面，我们会出现矛盾。而只要你细心，这些矛盾就摆在那里，等着你去挖掘。”
目观众上钩了，那么在接下来的十到二十分钟时间内，整个故事的背景和整体情绪就应该铺垫好，主角要逐一介绍完毕，角色之间的关系也应该清晰建立起来。从这里开始，一切都应该顺理成章，在观众有机会重新回看前半部分时，会意识到哪怕影片结局再扯淡，都完全符合影片的前期设定，甚至根本就是一早注定的。
套用著名编剧、导演比利・怀尔德( Billy Wilder)的话:一个出类拔萃的剧本，应该要能掐住观众的咽喉，一刻都不松手。就这样掐着观众的脖子一直走，让他们别无选择，只有乖乖跟着。而每隔一段时间，这个剧本就应该释放足够的信息，让观众对接下来的故事发展保持好奇，永远不觉得出戏、无聊或者毫无头绪。
这部电影值得拍吗？
方法派演技：代表人马龙角色演员（性格演员）：演技优秀，经常饰演个性角色，但有点戏红人不红的演员。指示型表演/鬼脸型表演：表演者用浮夸的动作和声音表达情绪，而非让情绪自然流露。
猛戏（whammy）动作戏。给角色脸上贴金——“（加）风险”stakes第二幕疲软（second act slump)章节化（episodic）策略化（schematic）叙事手法：线性叙事，实时叙事，反向叙事，跳跃叙事，多线叙事。机械降神（deus ex machina）：让某个人或某样东西在关键时刻凭空出现，救人于水火或者推动主角踏入新旅程。阐释：通过对白来解释角色的背景或者展现内在的情感。（过多容易破坏影片节奏，尤其当主角突然停止行动，开始讨论他们早就心知肚明的事情只为让观众了解情况时。）闪回/旁白：只用来深入展现角色，不用来推动剧情。审美距离：观众和银幕内容之间的距离。“一部好的剧情片，应该有大约5句好台词和5句经典台词。超过这个数量，就会让人觉得啰嗦和不真实。”——保罗施拉德兄弟电影（buddy movie）：2名或以上男性角色为主角，且性格各异。意式西部片，又称通心粉西部片，大都效仿《荒野大镖客》。
三幕式结构：铺垫——冲突——解决。
场面调度：电影每一帧画面中视觉元素的外观和编排。时代错误：在视觉叙事中故意加入与时代不符的内容，引起现代观众的共鸣。母题：电影中有意义且重复出现的元素。物品，颜色，地点，人物，声音等。
如果我们在观影期间不断地解构一个演员的表演，或者挑剔某些场景的打光或者美术设计，要么是我们不够投入，要么是因为这部电影的质量还不够好，没法像真正强大，富有代入感的电影那样，与我们的意识融为一体。
P 2370声音剪辑师（sound editor）负责汇集、制作、整理观众在银幕上听到的一切声音，其中包括角色对白（包括拍摄现场录制的对白和后期配音）和音效；混音师（sound mixer）负责决定这些声音如何相互共存，以及如何与配乐共存。混音师可以通过调整不同声音的比例，来增强真实感和情感冲击力，提升观众对影片故事的理解。P 2381不知所云该听到的声音，你都听得到吗？ 影片的音效是否盖过了对白？这样的音效是增强了观看体验，还是破坏了观影体验？P 2385 但在这里我们指的是被录制下的所有声音，包括对白、音效，在故事中出现并且被角色听到的“戏内音乐”，以及仅有观众能够听到的电影配乐）进行录音和混音时，声音的清晰性和连贯性至关重要，这样才能确保观众听清演员的台词。P 2420 该片中，镜头每次切换到马尔科维奇的视角，他们就对环境音进行微调，打造一个主观的“脑内”声景，和客观场景下的声音进行区分。P 2421 声音在打造连贯性上的另一个作用，是让场景之间的转换更加自然流畅。 声音不说谎：片中的声音听上去“写实”吗？P 2463循声定位：银幕上的声音把你带到了哪里？P 2486以声动情：银幕上的声音让你产生了怎样的感受？P 2500 影片中出现的所有声音几乎都是“剧情音”（diegetic），也就是我们在银幕上看到的来自人物、物体和环境的声音。即便加入了特殊音效，也是为了凸显真实性，而不是削弱真实性。P 2506 而“无声”也有多种不同类型。大部分电影都会有自然的声音，甚至是所谓的“房间音”——也就是录音师特地在空房间录制的声音——为无声场景营造气氛和空间感。P 2513声如其人：听到的声音是否有“视角”？ 我们在电影中能听到什么，取决于电影中的听者是谁？P 2514 声音设计再响、再乱，也应该保持一个特定的视角，而这个视角…
P 1938好的剪辑强调的是清晰性、结构、节奏、动力，以及情绪。P 1961淡入效果我从影片一开场就入戏了吗？这部电影是否将我带到了它的目的地？P 1962剪辑的清晰性我知道角色在哪里，在干什么，动机何在吗？影片的具体背景设定清晰吗？这部电影合乎情理吗？一部清晰的电影——也就是说他的故事情节合情合理，角色塑造姓名，并且遵循自己的内在逻辑——能给观众信心，让我们可以放松观影，除非影片有意让我们感到紧张。P 1964 从影片一开始，剪辑师就必须牢牢立住影片的背景、主角、情绪，并营造一种连贯性和前进感。P 2070剪辑的节奏我是跟着影片故事顺流直下，还是陷在里面动弹不得？ 影片的节奏是拂动如风，还是胶着如泥？P 2073 还有的电影想要改变我们急躁的观影心态，其专注于细细呈现日常生活、情感、人生中的各种琐事。P 2077 每一个单独的场景都有它自己的节奏，开始和结束的时间要恰到好处，让这个场景在影片中的存在意义——传递重大信息、实现情感爆发，或者转变基调——得以最大程度地实现。P 2170剪辑的情感冲击力这部电影是让我笑了还是哭了？心生绝望还是充满希望？ 角色的情感是否符合他们的经历、行为和动机？P 2207千刀万剪这部电影的故事发展是否酣畅淋漓？ 它的发展是自然流畅的，还是磕磕绊绊的？ 它是否遭到了“快剪”？P 2241 节奏在马丁·斯科塞斯的暴力世界中很重要，在安静的剧情片中也很重要。P 2244 之所以优秀，靠的不是复杂的时间线切换或者戏剧性的对比，而是取决于剪辑师敏锐的直觉——知道应该选择哪个镜次，知道某个场景应该在什么时候开始、什么时候结束。P 2263 电影依然是由场景构成，而场景由镜头构成，镜头则是叙事的基本元素。 最佳镜次：所有的演员都在一部电影里吗？
P 1446″电影是画面的集合，它的每一帧都是一个独立的审美客体（aesthetic object），这些帧在物理手段和人眼特性的共同作用下连接在一起，让我们看到连续性的时间与空间。 摄影就是捕捉这些画面的艺术，它决定了画面的光影、外观和情绪，进而影响观众的视觉和感受。”P 1454以光为笔：画面的光影、色彩、构图、色温和质感都是由摄影来决定。P 1477 你在银幕上能看清多少内容？这些内容对你来说够不够？ 灯光明亮还是暗淡？自然还是夸张？P 1481 一部电影的摄影要能算得上“好”，最基本的要求是演员身上的打光要充分，让观众能看得清演员，并增强、凸显演员身上的特质。除了演员，艺术设计的所有重要细节都可以被肉眼轻松捕捉，让观众能够获取他们需要的视觉信息，其中包括自然背景、人造环境、道具、服装，以及能够传达故事背景及潜台词的各种细节。P 1514 但他们坚持只用“环境光线”（available light），即不借助灯泡照明的自然光线，赋予画面更加直白、诚恳和不加修饰的真实感。P 1516 也就是每天太阳刚落下之后或者即将升起之前——进行拍摄，因为这段时间的光线最暖，铺得最开，最好看。P 1539 主光布光（key lighting），这是一种非常经典的打光技术，即使用聚焦光线打在影星身上，将他们笼罩在一片华美，甚至带有仙气的光芒之中。P 1546中特写镜头的诅咒——摄影机放在哪里？它为什么在那里？ 摄影机的P如何移动能增强某个场景的情感冲击力？ 如果摄影机在移动，它移动的原因是什么？P 1550 接下来摄影师要做的最重要的决定（通常都是和导演合作决定，或者在导演的指导下决定），就是摄影机的机位，以及摄影机是否该移动，什么时候移动。P 1566 拍一个定场镜头，再加上一系列中特写镜头（medium close-up，即拍摄人物胸部以上的…
P 1035“制作水准”指的是一部电影的整体外观，搭建一个真实可信的银幕世界所需的充实感、材质感和细节P 1037 “一部影片的制作水准涉及包括摄影和音效在内的多个环节，但是给人感觉最直观的还是影片的视觉设计，这其中包含影片的整个实体环境，从背景、外景、布景、道具，到服装、发型和化装。（通常来说，导演会在制作伊始就选好艺术指导，然后由艺术指导来领导一个由置景师、艺术家和工匠组成的部门。艺术指导会和发型师、化装师、服装设计师密切合作，而他们又都要听从导演的指挥。） 简而言之，艺术指导负责的是我们在银幕上看到的一切——角色生活的或者去过的每一个地方，他们使用的或者看见的每一件道具，以及大大小小的各种装饰品。即便是最自然的、“未经修饰”的外景地，也会交给艺术指导进行一定的改造，以便符合影片的故事要求。 有些人会用法语“mise-en-scene”（意为“场面调度”）来指电影每一帧画面中视觉元素的外观和编排。我也称之为一部电影的物质文化，即能够营造地方感（sense of place）、鼓励观众相信银幕现实的有质感的东西。”P 1064 最好的艺术设计是难以察觉、不着痕迹的，观众可能根本意识不到它的存在。P 1075 最好的艺术设计是通过无形与有形、逼真和矫饰之间的内在张力实现的，优秀的艺术指导能为观众打造出愉悦的、富有质感的视觉体验，并提供细节丰富的布景，让表演者尽可能真实。P 1077背景作前景：画面的背景中发生了什么？告诉了我们什么？ 画面的背景是在帮助叙事，还是分散了观众的P 1079 一部好电影提出的第一个问题就是“我们在哪里？”P 1166艺术设计对观众的心里影响：影片的物理空间唤起你的哪些感觉？ 它们反映出了怎样的情绪？P 1168 艺术设计并不只是搭建物理场景，还要传递重要的心理和情感信息。P 1193多彩世界：片中的颜色是浓烈…
P 618 表演可能是电影制作中最具迷惑性的一环，因为优秀的演员似乎不费吹灰之力就能献上精彩的表演。他们在经过大量的思想、情感和身体准备后，让自己的表演看上去信手拈来、真实自然，哪怕要一遍又一遍重复同一句台词，展露同样的剧烈情绪，呈现同样的脆弱情感。P 622 表演都是电影语法中最基本的元素。P 629 演员的工作是说出写在剧本上的对白，并且惟妙惟肖地演出自己的角色，让观众能够完全沉浸在故事中。导演固然能够帮助、指导表演，但归根结底，表演还是取决于演员在塑造一个角色时所做的一系列决定——把握角色内在和外在的各种细节，打造出有深度、有真实感、有吸引力的角色。P 633 除了语言和动作（也就是“记住你的台词”和“不要撞到家具”），在合作拍摄一部电影时，演员的首要任务，就是在一个相互配合、协同一致的团队中，有感情地演奏好自己的乐器。P 636 眼睛不会说谎：演员是否完全进入了角色？ 他们的言谈举止是自然还是夸张刻意？ 演员要的是笑声，还是P 639 说起表演，最重要的一点就是要真诚。如果你装得出真诚，那你就成功了。——乔治·伯恩斯P 661 最好的银幕表演应该能在“表现”与“克制”之间达到超常的平衡，也就是说，既要透明到能让观众瞬间了解角色，又要内敛到让观众好奇角色下一步会怎么做。你可以留心演员在不说话时，脸上是否会失去一些神采；或者当另一位演员在说话时，他能否像注意自己的台词一样注意对方的台词。P 669 因为演员会把自己的性格特点带入角色，所以我们常常会批评演员只是在演自己，这样的评价其实有失公允。P 672 演员的部分任务，就是把自己的性格和他扮演的角色融合在一起：问题不在于演员能不能演自己，而在于他该不该让虚荣心、值得质疑的选择，或者令人出戏的浮夸表演影响角色的塑造。P 678 当你看着一个优秀表演者的眼睛时，你能看到他们生命的深度，…
P 56 “首先问自己三个问题：‘创作者的目的是什么？’‘他们成功了吗？’‘这么做值不值得？P 59 明确从电影本身的优点出发，帮助读者理解故事。P 69 每部电影都是一个生命，它有自己的类型DNA、基调特征、艺术追求和思想。P 73 所有的电影都遵循一套相同的语法：视觉语言、听觉语言，还有把这些视听语言连接起来的表演传统，或者是颠覆传统的创新突破。影评人的工作就是识别这些传统和创新，但不是为了在读者面前卖弄学识或者故作姿态，而是要为读者提供全新的解读途径，丰富他们的观影体验，或者至少让他们在阅读的过程中获得启发。P 78 告诉普通电影观众在观影时要如何识别影片的流畅性、创作野心以及闪光点。P 89 电影也有它的特殊性，它既是一种艺术形式，也是一种大众娱乐媒介，更是一种复杂的、标准化的工业产品。P 98 首先要在精神上做好准备。你一定要放空，放下一切抵触、偏见或者任何影响你精神集中的东西，因为这些都可能阻碍你彻底投入到影评工作当中。P 104 本书的结构脉络是按照电影的制作顺序来的，即从剧本开始，然后是选角、艺术设计、摄影，以此类推。P 117 这些都是我的私人最爱，每一部都是某一领域——比如剧本、表演、设计、运镜、音效等——的典范，而且都展现出了导演强大的掌控能力——这也是把一部电影做到完整统一的必要条件。
P 3147这部电影值得拍吗？ 这大概是我们在评价一部电影时最关键的一个问题。当我们已经完成对美学与叙事的剖析，也对电影制作者的想法进行了评价，现在观众必须问问自己，他们看的这部电影值得拍吗？P 3166 质问：这部电影是在宣扬或者抨击什么样的价值观？影片是否以展现灾难和暴行为借口玷污人性尊严？影片是宣扬冷酷无情、愤世嫉俗，还是唤起我们的同情与共鸣？影片是站在一定的距离之外冷眼旁观，还是表达了对故事和角色的关心？P 3204 很大程度上还取决于影片内容是否达到了它们所宣传的真实性，是否能让观众感到其公正、准确，是否还原了真实事件，而不是进行过多的艺术加工。如果我们发现电影制作者省略了某些关键事件，或者对某个角色的描绘不够公正或者准确，我们就会感到失望，甚至愤怒。如果这些疑虑在观影过程中频频出现，那么观众会对影片从头至尾抱持怀疑态度。 P 3228 他们看见的东西都经过了电影制作者的加工，带有一定的导向性——你不能责怪制作者“别有用心”，他们只是想要创作一个引人入胜、打动人心的故事。P 3240 比如制作者是如何获得准入资格？拍摄的动机何在？影片的事实透明度如何？制作者使用情景再现配合真实影像资料，是为了让电影更流畅、更吸引人吗？使用现成的影像资料是因为更符合影片需要吗？拍摄过程中，他们会给拍摄对象好处吗？或者他们的拍摄对象会给他们好处吗？如果他们获得了特别准入资格，他们是如何做到的？他们达成了什么样的协议。P 3255 内幕曝光、艺术授权、批判性距离，这些也是和真实事件改编电影息息相关的问题。P 3265 因为电影有着广泛的观众群，所以这些电影故事很容易变成公众眼中的史实。P 3267 他告诉我：“你要问的第一个问题是‘这件事情真的发生过吗？’如果发生了，那它就有历史根据。第二个问题是‘当时的情况确实是这样的吗？’如果答案是‘就我们所知是这…
P 2772一部电影导得好不好，观众一看就知道。如果一部电影画面漂亮，音效出彩，表演真实可信，能让观众获得满足感，那这部电影就算导得好；倘若它还能改变我们，那就堪称伟大了。P 2807 如果某个导演在商业或者艺术上获得了一定的成功，或者这个导演坚持独立制作，那他就有权将“最终剪辑权”写入合同，也就是说在电影制作完成后，其他人不能插手他的作品。P 2815 导演还要全程和影片项目绑在一起。通常来说，导演和一个电影项目绑在一起的时间，比任何一个制作人员或者演员都要长：导演首先要选择故事题材，或者决定是否接受制片人的片约，然后和编剧合作定下剧本终稿，或是彻底重写剧本；接下来是选角和排练；召集其他制作成员；勘景；确定影片的视觉风格；决定并监督拍摄计划；监督剪辑、声音设计、配乐等后期制作。在长达好几年，甚至好几十年的时间里，导演都必须保持对影片的热情与专注。P 2820 制片人的参与非常重要，他们不仅能在创作上提供帮助，而且最关键的是他们负责拉投资。P 2824 即便导演没有参与所有的创意和技术决策，每一个决定都还是要经过他批准。导演必须解决海量的突发灾难、意外带来的问题。任何电影在拍摄期间都不可避免地会出现各种状况，导演的处理方法不仅不能毁了这部电影，而且甚至应该让它变得更好。P 2834 导演要负责掌控观众的美学体验，在视觉和听觉上引导观众的注意力，调动他们的情感。P 2839导演功力导演是否展示了对电影的把控能力？ 影片给人感觉是否富有野心和想法，而不只是单纯记录演员的表演？P 2842 还是要靠导演将这些规则从头贯彻至尾，明确影片故事的主旨，让大家感觉到他的清晰思路：知道故事要往哪里发展，如何发展。P 2846 我用“功力”（chops）这个词来代表导演对电影技术和场面调度的掌控力——摄影机应该摆在哪里，使用什么镜头，如何获取信任、表明目的…
比《认识电影》更通俗易懂，可好像看完之后也没知道怎么聊电影。序言就说道不同类型电影应该有不同评判的标准，可之后就没再分类剖析了。全书有点像作者展示自己看过多少电影，知道多少影视从业人员。
普及读物，当做杂志看
编剧兼导演肯尼思·洛纳根（Kenneth Lonergan）曾说过：“大部分爱情片里，男女主角第一次见面，一定是各种看不顺眼，互相斗气，互相死磕，然后十分钟后，他们就好上了。但是现实里我谈过的女朋友，都是从一开始就和我相处融洽。尽管在其他方面，我们会出现矛盾。而只要你细心，这些矛盾就摆在那里，等着你去挖掘。
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