内容简介
《霍克尼论攝影》(增订本)收录了大卫·霍克尼与好友保罗·乔伊斯关于摄影的对谈十七篇，内容关于霍克尼的图像思考与影像实验，展现了一位多才多艺、创造力十足的艺术家，在探索摄影可能性的道路上可以走多远。观看与空间，是霍克尼一如既往的关注。在本书中，他认为拼贴是摆脱传统观看方式的关键，是对表面的确认。霍克尼将自己的创作看作是用摄影来批判摄影。“毕竟，光用言语是不行的。你得使用摄影的语言。”
作者简介
大卫・霍克尼（David Hockney）
霍克尼论摄影（增订本）
书名：
霍克尼论摄影（增订本）
ISBN：
9787547740774
作者：
霍克尼 乔伊斯 栾志超
出版社：
北京日报出版社
出版时间：
2021-01-01
图书分类：
摄影艺术
语言：
Chinese 汉语
开本：
32开
版次：
1
装帧：
平装
页数：
528页
字数：
430千字
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评论
30 条对“霍克尼论摄影（增订本）”的回复
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能把摄影和绘画拿出来对比，也只有霍克尼敢讲了！能把西方的单点透视和东方的多点透视拿出来对比，也只有霍克尼敢讲了！这本书是霍克尼的艺术批评，他解释了立体主义真正伟大的原因，也解释了摄影对他究竟意味着什么。霍克尼有一个观点很刷新我的认知——他认为绘画提供的艺术体验比摄影更为真实，因为摄影捕捉的是一个瞬间，绘画提供的更加长久，让我们体会的是那一时刻。最后还要感谢霍克尼孜孜不倦地肯定中国绘画，中国绘画有关眼、手、移动，这些都指向内心。
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真是奇怪，霍克尼的作品我从来没有喜欢过，但是他的评论和谈话我一直觉得好，包括拆解大师们使用光学仪器的那一本，他的内行知识和个人见解，让人印象深刻。这一本跨越漫长的十余年，以摄影为圆心，涉及更多艺术门类。有点零散，霍克尼爱好者和摄影史爱好者必读。
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书是黄蓝两色，随机发货？我是黄色的耶!其实我对霍克尼的画不太感冒，但很喜欢他的对话录，之前他与马丁·盖福德的那本也很喜欢。他真有活力，而且到老都保持开放性，有尝试新事物的热切欲望。比如用iPad画画，摄影拼贴，克服艺术中时间瞬间凝固的单薄，渴望拥有无限的时间空间。
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他发现，从宝丽来进行创作转向135（以及更小的120）进行创作，一方面很自由，一方面又很简易。
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拼贴是摆脱传统观看方式的关键。这是一种具有深刻内涵的观念，十分真实。拼贴是对表面的确认。通过拼贴，你在观看中会发现，当我们将一物拼贴到另外一个平面之上的时候，发生了变化的并不仅仅是表面，还有很多其他的东西。比如说，什么是空间不足？空间不足的反面并非一个空无一物的空间，而是一个理论上的平面。实际上，平面、二维的平面只存在于理论的层面上。拼贴能够构造空间，因为它是对二维平面的确认，更接近我们对于现实的体验。
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我坚信，艺术要恢复生机，唯一的办法就是回归自然。我们不仅仅是要去研究毕加索。我们研究毕加索，他的创作告诉我们要回归自然。自然是浩瀚无穷的。有人认为我们已经完全理解了自然，绘画可以朝着另外一个方向发展。我现在觉得这样的观点是十分幼稚可笑的。当然，很多抽象画家并没有发表过这样的言论。他们认为，艺术是视觉的世界。至少抽象表现主义画家就这样认为。但是，在六十年代的时候，人们则持不同的主张。举例来说，弗兰克·斯特拉（Frank Stella）就认为我们能看见什么就是什么，除此之外，并不存在别的东西。他的观点在本质上是认为除了表象之外，别无其他。这就让我们所说的艺术“魔力”荡然无存。我用了“魔力”（magic）这个词，因为我不知道还有什么词可以用来形容。但是，魔力的确存在，我从不怀疑这一点。魔力是艺术中你无法定义的一个东西。
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人们对于性行为的看法多种多样。但这或许也是因为性行为给摄影制造了一个问题，而这个问题与真实记录残暴行为时要面对的问题类似。画家对事物的观看和感受方式是极为不同的。
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最大的收获是理解了立体主义。
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霍克尼对绘画和摄影都看得太通透了，非常的敏锐，充满智慧。
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拿到了蓝色本！全本都是对话形式，一点儿不枯燥，甚至惊叹他们的对话高度！绘画是不是高于摄影？但我读到了霍克尼说静态的照片比动态的影像会更深远！
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这才是真正的艺术家！！不仅仅是放肆的表达自我营造不同，而是有自己独特且自洽的理论体系；在对前人的研究中保持勤奋的思考来突破当下的困境，并且对其他文化亦秉持开放的心态。
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霍克尼的摄影是摄影方法的实验，立体主义绘画在摄影中的游戏，透视碎片化，移动中拍摄；拍摄后拼贴，在拼贴中恢复摄影时的记忆，一幅经拼贴后的照片，静态的场景出现了过程，二维中看见多维，空间中看到时间。
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霍老师谈了绘画和摄影，说了摄影的核心问题，谈了不少，受益！
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霍克尼论摄影实际上跟我此前理解的传统意义上的摄影关系不大，它关注的是图像和观看方式的实验，将摄影作为绘画，打破照片静止的缺陷。霍克尼的作品不好评价，但从对谈里能感觉出他是一个极具创造力并不断进步的艺术家，他对新技术所持有的开放态度，以及对心手脑合一的肯定，让他的创作既是放松的又是严谨的。这两天看这本书，在霍克尼的鼓动下，我又有了画点什么的冲动。
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霍克尼的拼贴摄影作品中，主体让位于观看方式。非客观的私人记忆碎片如何通过重组，激发群体的不同认知并引起客观讨论。霍克尼的骄傲和自信让我钦羡。能按照时间顺序了解霍克尼思考方式的变化有种养成游戏的快乐。我从前只是点到为止地联想到杜尚《下楼梯的裸女》2号，读了这部书才意识到他的野心——用二维介质呈现将四维空间，利用摄影真实性的优势，将时间概念融入艺术叙事。所以看霍克尼的拼贴摄影，不应该钻研其技法或是主题，而是应该用阅读小说的思维观看，还原场景和故事。霍克尼对于当代摄影的伟大贡献包括且不限于，用一种强势的方式宣告摄影艺术的真实性，瞬时性和独一性。以至于在他的理念中，绘画不过是对现实和摄影的拙劣模仿。赫拉克利特所谓的：”人不能两次踏进同一条河流。”亦可用于解释霍克尼的艺术理念。
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身体力行地批判了仅关注被摄主体的摄影，认为观看方式才是重要的，他的批判即是他的作品，并且形式即内容。两百年后的摄影会是什么样呢，带(背)着(负)这个问题创作或许看得更远一点。
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对摄影的思考一针见血啊。
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恭喜霍克尼發現“電影”.
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P20我希望能够把时间更为明确地带入摄影，而不只是说我按下了快门，然后拍了张照片而已。P21在这些照片中存在着一种不断更易的运动。这个过程极为复杂。你所看的不仅仅只是一些照片和照片比起来，图像的组合会产生更大的可能性。对我来说，就意味着完全颠覆了我们通常会说到的那些摄影的特性。
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1985年，霍克尼经典的摄影作品《繁梨花公路》问世了。然后，他公开表示自己将不再进行摄影创作。我们这些和他过从甚密的人都知道，他这辈子不可能做到不碰相机。确切地说，他将相机视作各种各样机器中的一种。这些机器能激起他的兴趣，唤起他艺术创作上的好奇，包括如传真机、复印机、激光打印机和电脑。他还开始使用一架8×10的大画幅相机进行创作，以此来制作电脑合成的照片一这是他首次在没有专业人士协助的情况下，在他位于好莱坞的工作室中独自完成的创作。
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他发现，从用宝丽来进行创作转向135（以及更小的120）进行创作，一方面很自由，一方面又很简易。胶片可以在路边的快照店冲洗出来，拍照的过程也快了很多。他无须再花两到三分钟等每张宝丽来照片都打印出来。但是，最重要的变化在于，在霍克尼使用135相机创作的时候，他需要先把整个图像都装在脑子里，实际上是要将最终的图像先视觉化。宝丽来相机的创作过程允许霍克尼慢慢把照片组合起来，而且在创作一件作品的三到六个小时里，他也可以对最初的想法有一定程度的反悔或改变。然而，使用传统拍摄手法进行创作的话，在胶片冲洗出来之前，霍克尼只能把图像牢记在心里，在相机里。因此，他就得尽量减少误差。这种严苛的要求以及宝丽来相机所提供的自由，让霍克尼爆发式的创造实践持续了不止数月，而是数十载。
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“为绘画辩护就是要去画画”，“只有画画才能彰显绘画的伟大之处”。
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给平面赋予时间和空间的维度
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其实是霍克尼批判摄影，本书最有意思的地方还是霍克尼评论其他艺术家的部分，就是不知道为什么电子版排版要把所有的作品放在最后一部分，阅读过程中很多作品都不知道霍克尼说的是哪幅
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摄影师的作品中没有双手留下来的痕迹，因而他也不会转动双眼来获取生命。因此，在照片中我们看不到摄影师的在场。
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这是一张真实意义上的拼贴照片，但是却拼贴得不留痕迹。拼贴本身是没有任何问题的，但是，必须要让人知道它是以拼贴的方式做成的。这张照片显然不是这样的，所以，人们会觉得它本来就是一张照片。如果你明知道天空是在另外一天拍摄的，但你却非得掩饰这一点那我觉得你这就是斯大林式的摄影斯
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而且，这些照片越大，看起来就越无趣。这部分是由于尺寸过大，你的视线需要从一角向另外一个角移动。你在时间当中移动，而照片却是静止不动的。但是，任何绘制的图像都是在时间当中移动的，因为它是用双手创作出来的。因此，我觉得这一缺陷是非常严重的
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如果图像不存在的话，我如何知道你都看见了些什么？我无法知道，我也永远都不会知道。这些平面图像正是唯一打通我们彼此之间沟通的媒介。征因为我们不是经常碰见彼此，所以看到的东西不会完全相同，不是么？显然，总有人看到的要更多一些。
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我在中国卷轴画中那画卷般的旅行中已经见证过了这种纪实性。我也说过，哪怕是电影都不会有这么好的效果，任何摄影的纪实照片和卷轴画比起来都相形见绌。摄影无法提供那样的体验。
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大卫·霍克尼：但是，他在拍摄那些肖像作品的时候并没有觉得自己是在进行艺术创作。他关心的并不是艺术，而是把那个时期各式各色的人记录下来，不是吗？
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